Author: Michael Reuter

Braque, Georges
* 13.5.1882 in Argenteuil-sur-Seine
† 31.8.1963 in Paris

In der Geschichte der Malerei des 20. Jahrhunderts nimmt Braque deswegen einen besonderen Platz ein, weil er einer der Initiatoren des Kubismus gewesen ist.
    »Das Schaffen Braques ist durch ungemeine Vollendung gekennzeichnet«, schrieb Carl Einstein 1933 und fuhr fort: »Er verstand in unklassizistischer, doch klassischer Haltung den Kubismus zu neugeschauter, gegenständlicher Form zu bestimmen; er ist von Derain entfernt, der durch bedeutenden Begriff von den Alten geängstigt und gehemmt wurde, er unterscheidet sich von Picasso dadurch, daß er nicht im Sprung Lösungen erzaubert, sondern in langsamer Geduld sein Ziel weitet und steigert. Verfeinerung des Handwerks und dichtere Fülle des Formgewebes verwirklichen sich ihm in einem. Braque verbirgt sich keine Schwierigkeit, und so zwingt er sich zu genauer Kontrolle.« Darüber hinaus gebührt auch den abstrakten Kompositionen Braques, deren Ausgangspunkt häufig Stilleben und Interieurs sind, ein vorzüglicher Rang. Obwohl für D. Cooper feststand, daß »der Kubismus die gemeinsame Schöpfung von Braque und Picasso ist, die beide unter gleichen Voraussetzungen arbeiteten«, entstand Braques Weltruhm aber erst nach 1945. Bis dahin wurde sein Name von dem Pablo Picassos überstrahlt. Dies ist im Grunde genommen um so verwunderlicher, als Braque bereits 1922 seinen ersten, sehr eindrucksvollen Erfolg erzielte. Damals hatte man ihn eingeladen, in einem eigenen Raum auf dem Pariser Salon d'Automne auszustellen; Braque gelang es dabei, sämtliche 18 gezeigten Bilder zu verkaufen. Die Unterschätzung Braques und seiner Kunst erklärt sich vielleicht aber auch daraus, daß er als Künstler stets sehr zurückhaltend war und sich von allen möglichen, unterschiedlichen Malergruppen fernhielt.
    Georges Braques Vater war Dekorationsmaler, der sich gelegentlich auch als Sonntagsmaler betätigte. Um 1890 siedelte die Familie nach Le Havre über; dort begann Braque die Abendkurse an der Kunstschule zu besuchen. 1899 wurde er Lehrling eines Anstreichers; aber bereits im folgenden Jahr ging er nach Paris, um seine Ausbildung zu vervollständigen. Er mietete sich am Montmartre ein und besuchte weiterhin Abendkurse für Zeichnen. Nach Absolvierung des Militärdienstes kehrte Braque 1902 nach Paris zurück und begann nunmehr, an der Académie Humbert zu studieren. Er freundete sich mit Marie Laurencin und Francis Picabia an; doch vor allem wurden häufige Besuche des Louvre für seine Entwicklung ausschlaggebend. Dort beeindruckten ihn besonders die ägyptischen und griechischen Plastiken. Seine Bewunderung galt außerdem Werken von Renoir, Monet, Cézanne, van Gogh und Seurat, die er in den Galerien der Kunsthändler sah, beispielsweise bei Durand-Ruel. Aus dieser Zeit sind von Braque nur wenige Bilder erhalten; die Mehrzahl hat er später selbst vernichtet. Ein großer Teil der verlorenen Werke muß stilistisch dem Impressionismus nahegestanden haben, wenn auch einige Bilder vermutlich stark von Corot beeinflußt waren, wie etwa das Bretonische Mädchen (Washington) von 1904.
    Im Jahre 1904 verließ Braque die Académie Humbert, wo er mit Ausnahme zweier Monate, als er unter Léon Bonnat an der École des Beaux-Arts arbeitete, seit 1902 studiert hatte. Im nächsten Jahr fand er durch seine Freunde Raoul Dufy und Othon Friesz, die beide aus Le Havre kamen, Zugang zum Kreis der Fauves, deren Werke zuerst im Salon d'Automne zu sehen waren. Den Sommer 1906 verbrachte Braque gemeinsam mit Friesz in Antwerpen und malte jene Bilder, die er selbst als seine ersten schöpferischen Werke bezeichnete. Im Herbst arbeitete er allein in L'Estaque bei Marseille, woran unter anderem auch seine Darstellung Hafen von L'Estaque erinnert. Sechs seiner ersten fauvistischen Bilder zeigte Braque 1907 im »Salon des Indépendents«. Zu dieser Zeit bevorzugte er gemischte Farben, ein leuchtendes Violett oder Rosa, im Gegensatz zu Matisse, Derain und Vlaminck, die mit reinen Farben arbeiteten. Seine fauvistische Periode sollte allerdings nicht lange dauern, so sehr ihn auch diese »physikalische Malerei« interessierte.
    Im selben Jahr besuchte Braque die Cézanne-Gedächtnisausstellung im Salon d'Automne. Dort lernte er Guillaume Apollinaire kennen, der ihn in das Atelier Picassos mitnahm, wo Braque dessen unvollendetes Gemälde »Demoiselles d'Avignon« sah. Eines jener Werke Braques, worin sich Anregungen Cézannes und Picassos niederschlugen, war sein Akt (Paris) von 1907. Obwohl Picasso zweifellos Braque dahingehend beeinflussen konnte, sich vom Fauvismus zu lösen, wurde dieser deswegen keineswegs ein Picasso-Nachahmer. 1908 arbeitete er einige Zeit mit Dufy in L'Estaque. Dabei ersetzte Braque in Bäume bei L'Estaque (Washington) erstmalig die realen Gegenstände durch geometrische Formen, Facetten - zu einer Zeit, da Picasso in seinem eigenen Schaffen lediglich die Formen seiner Objekte vereinfachte. Dieses Bild bedeutet deshalb in der Entwicklung des Kubismus einen geradezu entscheidenden Fortschritt.
    In seiner 1959 erschienenen Publikation über den Kubismus bezeichnet J. Golding die Maler Picasso, Braque und Juan Gris als die hervorragendsten Repräsentanten des Kubismus; ihre Werke wurden zusammen mit denen Légers von dem Pariser Kunsthändler Kahnweiler ausgestellt. Bereits 1907 hatte Kahnweiler Braque in dessen Atelier besucht und mit ihm einen Vertrag abgeschlossen. Als nun im September 1908 die Jury des Salon d'Automne, der auch Matisse angehörte, fünf der sieben eingesandten Bilder Braques ablehnte, zog der Künstler sämtliche Arbeiten zurück und stellte im November bei Kahnweiler aus. Aus diesem Anlaß schrieb der Kritiker L. Vauxcelles über ihn: »Braque verachtet das Abbild, er führt alle Landschaften, Figuren und Häuser auf geometrische Formen, auf Kuben zurück.« Als Vauxcelles 1909 bei der Besprechung der im »Salon des Indépendents« ausgestellten Bilder Braques die berühmt gewordene Bezeichnung »kubische Bizarrerien« gebrauchte, hatte die Stilrichtung den Namen »Kubismus« erhalten, der alsbald weite Verbreitung fand. Seitdem wendete man ihn allerdings nicht nur auf die wichtigsten Vertreter des Kubismus an, sondern auch auf jene Nachfolger, die versuchten, eine »Schule des Kubismus« zu bilden. Dies trifft zum Beispiel auf Künstler wie Albert Gleizes und Jean Metzinger zu, die 1912 ihr Buch »Über den Kubismus« veröffentlichten.
    In der Geschichte des Kubismus sind zwei Hauptperioden zu unterscheiden; erstens der »Analytische Kubismus«, der nach A. H. Barr »wegen des gleichsam gestaffelten, progressiven Zerreißens und der allmählichen Auflösung der natürlichen Formen innerhalb eines Bildes« diesen Namen erhielt. Der Begriff »Analytischer Kubismus« war ursprünglich nur für die zwischen 1909 und 1912 geschaffenen Werke gedacht, wird jetzt aber auch für spätere Arbeiten gebraucht. Braque verwendete in dieser Phase, genau wie sein Freund Picasso, beinahe ausschließlich die Farben Grau und Ocker und vermied bewußt die Sinnlichkeit kräftiger Farben, die das Gefühl des Raumes stören konnten, den beide Maler darzustellen versuchten. Seine Bilder aus dieser Zeit sind sicher nicht leicht zu begreifen; aber ein geübtes Auge vermag auf ihnen dennoch die Gegenstände eines Stillebens oder die Bau-Elemente eines Porträts auszumachen. Auf den Vorwurf der Formverachtung antwortete Braque: »Ich brauche nicht zu deformieren, denn ich gehe vom Formlosen aus und schaffe die Form.« Man bezeichnete jene Arbeiten, die besonders schwer verständlich sind, als »hermetisch«, wofür seine Weibliche Gestalt (New York) von 1910-11 ein charakteristisches Beispiel bietet. Andere, ebenfalls wichtige Werke aus Braques analytischer Periode sind Der Portugiese (Basel), Mann mit Gitarre (New York), Lesende Frau (Paris) oder Mann mit Geige (London), die alle 1911 entstanden.
    Außerdem zeichnet Braque auch für mehrere Neuerungen in der zweiten Phase des Kubismus, der sogenannten »Synthetischen Periode«, die von 1912 bis 1913 angesetzt wird, verantwortlich. Dieser Ausdruck charakterisiert treffend die Verschmelzung realer oder gemalter Gegenstände mit einer abstrakten Komposition. Aus Braques Lehrlingszeit als Anstreicher dürfte beispielsweise die Neuerung zu erklären sein, die Imitation der Holzmaserung einzuführen. Auch die Verwendung von Sand als bildnerischem Gestaltungsmittel geht auf sein Konto. In dieselbe Zeit fällt Braques erste Collage, Die Obstschüssel (Washington) von 1912, wozu er gleich Picasso Zeitungs- und andere Papierausschnitte zusammenklebte.
    Bis zum Beginn des Ersten Weltkrieges arbeitete Braque so eng mit Picasso zusammen, daß der Ursprung eines Stilelementes oder einer technischen Neuerung weniger bedeutsam erscheint als die Tatsache, daß diese von beiden Künstlern gemeinsam entwickelt wurden. Beide waren nicht nur in Paris zusammen, sondern 1911 auch in Céret und in Sorgues, wo Braque 1912 ein Haus mietete. Die bedeutendsten Beispiele dieser Schaffensperiode Braques sind die Gemälde Frau mit Gitarre (Paris) aus dem Jahre 1913 und Musikalische Formen sowie Die Musikerin (Basel) von 1917-18, »das letzte Bild, mit dem er den rein synthetischen Kubismus vertreten sollte«, wie D. Cooper schrieb.
    1914 wurde Braque eingezogen, kam an die Front und wurde ein Jahr später am Kopf verwundet. Nach der Operation, einer Trepanation, wurde er zwar 1916 entlassen, konnte jedoch nach langer Genesungszeit erst 1917 wieder mit dem Malen beginnen. In diese Zeit fielen häufige Begegnungen mit Juan Gris und dem Bildhauer Henri Laurens. Die Zeit der engen Verbindung mit Picasso war vorüber, Braque begann jetzt, seinen ganz persönlichen Stil zu entwickeln. Als Thema seiner Nachkriegsmalerei begegnet besonders häufig das Stilleben auf einem kleinen Tisch oder Guéridon. Allerdings malte der Künstler auch figürliche Sujets, beispielsweise die beiden Canéphorus-Bilder (Paris) von 1922. Auch sein erster großer Graphikauftrag, den er 1932 bekam, sollte figürliche Themen betreffen: Es handelte sich um eine Folge von 16 Illustrationen für Hesiods »Theogonie«, um die ihn der Kunsthändler Vollard gebeten hatte. Daneben war er zu Beginn der 20er Jahre auch als Schöpfer von Bühnendekorationen für Ballett-Inszenierungen gefragt. 1923 erhielt er den Auftrag für Dekorationen und Kostüme von »Les Fâcheux« nach Molière, für Djagilevs »Ballet russe«, 1924 für »La Salade« und 1925 für »Zéphyr et Flore«, ebenfalls für Djagilev.  Erstmalig seit 1909 behandelte Braque jetzt auch wieder Landschaftsmotive, unter ihnen einige Meerbilder. Von den Arbeiten aus dieser Periode sind außerdem die Darstellung von Flasche, Glas und Früchte (London) aus dem Jahre 1924, sodann das Stilleben mit Trauben von 1927, Der runde Tisch (Washington) von 1929 und das Stilleben mit Mandoline (New York) hervorzuheben, dessen Ausführung in die Jahre 1935-38 fiel.
    Mit dem Jahre 1931 ist der Beginn von Braques neoklassizistischer Periode anzusetzen, deren Ergebnisse - neben vielen anderen Werken - auf der großen Braque-Ausstellung 1933 in der Basler Kunsthalle zu sehen waren. Des Künstlers Malende Frau, die seinen damaligen Stil vorzüglich repräsentieren kann, entstand 1936.1940 mußte Braque vor den deutschen Truppen in die Pyrenäen fliehen; er kehrte jedoch noch im selben Jahr nach Paris zurück. Unter den Stilleben und Interieurs aus der Zeit des Zweiten Weltkrieges ist eine Folge von Billardtischen besonders zu erwähnen. Es ging dem Maler hierbei offensichtlich um die Erforschung verschiedener Möglichkeiten der Innenraum-Darstellung. 1948 erschien bei Maeght in Paris eine Sammlung von Aphorismen und Lithographien des Künstlers mit dem Titel »Cahier de Georges Braque«. Mit der seit 1949 entstandenen Serie der sehr eindrucksvollen Atelier-Bilder schuf Georges Braque schließlich seine wohl wichtigsten Werke; in ihnen durchdringen sich Gegenstände und Raum. Braque sagte dazu: »Ich habe eine große Entdeckung gemacht. Ich glaube jetzt an nichts mehr. Gegenstände existieren für mich nicht, außer im Sinn einer harmonischen Verwandtschaft zwischen ihnen selbst beziehungsweise zwischen ihnen und mir.« Aus dem gleichen Grund wurde in diesen Atelier-Bildern ein großer weißer Vogel verwendet, ursprünglich Motiv eines Gemäldes, das Braque zerstörte. Dieses Thema erscheint außerdem auch in anderen Spätwerken Braques, etwa den Deckengemälden, die er 1953 für die Etruskische Galerie des Louvre schuf. 1954 vollendete der Maler eine Reihe von Glasbildern in der Kirche von Varengeville bei Dieppe, wo er sich bereits 1930-31 ein Landhaus gebaut hatte.

Werkauswahl:
 Akt, 1907, Leinwand, 142×102 cm.
Paris, Slg. Cuttoli.
 Antwerpen, 1906, Leinwand, 60×73 cm.
Kopenhagen, Slg. W. Bedford.
 Atelier, VIII, 1954-55, Leinwand, 132×197 cm.
Washington (d. C.), Slg. D. Cooper.
 Bäume bei L'Estaque, 1908, Leinwand, 79×60 cm.
Washington (d. C.), Privat-Slg.
 Boote am Strand, 1938, Holz, 40×59 cm.
New York, Shoeman Galleries.
 Bretonisches Mädchen, 1904, Leinwand,  55×46 cm.
Washington (d. C.), Slg. M. Rosensaft.
 Canéphorus, 1922, Leinwand, 180×72 cm.
Paris, Slg. N. Gourgaud.
 Canéphorus, 1922, Leinwand, 180×72 cm.
Paris, Slg. N. Gourgaud.
 Der Billardtisch, 1945, Leinwand, 150×194 cm.
Paris, Musée National d'Art Moderne.
 Der Portugiese, 1911, Leinwand, 117×82 cm.
Basel, Kunstmuseum.
 Der runde Tisch, 1929, Leinwand, 147×117 cm.
Washington (d. C.), Phillips Collection.
 Die Musikerin, 1917-18, Leinwand, 222×113 cm.
Basel, Kunstmuseum.
 Flasche, Glas und Früchte, 1924, Leinwand,  53×55 cm.
London, Slg. Lord Amulree.
 Frau mit Gitarre, 1913, Leinwand, 130×74 cm.
Paris, Privat-Slg.
 Guéridon, 1928, Leinwand, 178×73 cm.
New York, Saidenberg Gallery.
 Hafen von L'Estaque, 1906, Leinwand, 37×47 cm.
Paris, Musée National d'Art Moderne.
 Hafen von L'Estaque, 1906, Leinwand, 61×73 cm.
Berlin, Privat-Slg.
 Lesende Frau, 1911, Leinwand, 129×81 cm.
Paris, Slg. La Roche.
 Malende Frau, 1936, Leinwand, 91×72 cm.
Winnetka (bei Chicago), Slg. N. Cummings.
 Mann mit Geige, 1911, Leinwand, 100×71 cm.
London, Marlborough Fine Art Ltd..
 Mann mit Gitarre, 1911, Leinwand, 116×81 cm.
New York, Museum of Modern Art.
 Musikalische Formen, 1913, Collage.
Hollywood (Calîfornien), Slg. W. C. Arensberg.
 Musikalische Formen, 1918, Leinwand,  92×60 cm.
Philadelphia (Pennsylvania), Museum of Art.
 Obstschüssel, 1912, Collage, 62×48 cm.
Washington (d. C.), Privat-Slg.
 Stilleben mit Mandoline, 1935-38, Leinwand,  131×162 cm.
New York, Slg. L. Bergman.
 Stilleben mit Trauben, 1927, Leinwand,  53×74 cm.
Washington (d. C.), Phillips Collection.
 Violon et Cruche, 1910, Leinwand, 117×73 cm.
Basel, Öffentliche Kunstsammlung.
 Weibliche Gestalt, 1910-11, Leinwand,  90×59 cm.
New York, Slg. H. Carey Walker.

Literaturhinweis:
R. ROSENBLUM »Der Kubismus und die Kunst des 20. Jahrhunderts«, Stuttgart 1960.
J. GOLDING »Cubism: A history and an analysis 1907-1914«, London 1959.
J. RUSSELL »Georges Braque«, London 1959.
R. CHAR »Georges Braque, oeuvre graphique original«, Genf 1958.
D. COOPER im Katalog »Paintings of Georges Braque« (Tate Gallery), London 1956.
M. GIEURE »Georges Braque«, Paris 1956.
S. FUMET »Sculptures de Georges Braque«, New York 1953.
H. R. HOPE »Georges Braque«, New York 1949.
G. BRAQUE »Cahier de Georges Braque: 1917-47«, Paris und New York 1948.
»Catalogue complet de l'oeuvre de Georges Braque: Peintures 1945-46«, Paris 1948.
D. COOPER »Braque, Paintings 1909-47«, London 1948.
Katalog »Cubist and Abstract Art« (Museum of Modern Art), New York 1936.
G. ISARLOV »Georges Braque«, Paris 1932.
D. HENRY (KAHNWEILER) »Der Weg zum   Kubismus«, München 1920.
G. APOLLINAIRE »Les peintres cubistes«, Paris 1913.

                                                                      H. Read
[Künstlerlexikon: Braque, Georges, S. 8 ff.Digitale Bibliothek Band 22: Kindlers Malerei-Lexikon, S. 1240 (vgl. KML Bd. 1, S. 517 ff.)]